100 pelukis terbaik sepanjang masa 2022

1. Leonardo Da Vinci, Mona Lisa, 1503–19

Painted between 1503 and 1517, Da Vinci’s alluring portrait has been dogged by two questions since the day it was made: Who’s the subject and why is she smiling? A number of theories for the former have been proffered over the years: That she’s the wife of the Florentine merchant Francesco di Bartolomeo del Giocondo (ergo, the work’s alternative title, La Gioconda); that she's Leonardo’s mother, Caterina, conjured from Leonardo's boyhood memories of her; and finally, that it's a self-portrait in drag. As for that famous smile, its enigmatic quality has driven people crazy for centuries. Whatever the reason, Mona Lisa’s look of preternatural calm comports with the idealized landscape behind her, which dissolves into the distance through Leonardo’s use of atmospheric perspective.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Dystopos

2. Johannes Vermeer, Girl with a Pearl Earring, 1665

Johannes Vermeer’s 1665 study of a young woman is startlingly real and startlingly modern, almost as if it were a photograph. This gets into the debate over whether or not Vermeer employed a pre-photographic device called a camera obscura to create the image. Leaving that aside, the sitter is unknown, though it’s been speculated that she might have been Vermeer's maid. He portrays her looking over her shoulder, locking her eyes with the viewer as if attempting to establish an intimate connection across the centuries. Technically speaking, Girl isn’t a portrait, but rather an example of the Dutch genre called a tronie—a headshot meant more as still life of facial features than as an attempt to capture a likeness.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Nat507

3. Vincent van Gogh, The Starry Night, 1889

Vincent Van Gogh’s most popular painting, The Starry Night was created by Van Gogh at the asylum in Saint-Rémy, where he’d committed himself in 1889. Indeed, The Starry Night seems to reflect his turbulent state of mind at the time, as the night sky comes alive with swirls and orbs of frenetically applied brush marks springing from the yin and yang of his personal demons and awe of nature.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz

4. Gustav Klimt, The Kiss, 1907–1908

Opulently gilded and extravagantly patterned, The Kiss, Gustav Klimt’s fin-de-siècle portrayal of intimacy, is a mix of Symbolism and Vienna Jugendstil, the Austrian variant of Art Nouveau. Klimt depicts his subjects as mythical figures made modern by luxuriant surfaces of up-to-the moment graphic motifs. The work is a highpoint of the artist’s Golden Phase between 1899 and 1910 when he often used gold leaf—a technique inspired by a 1903 trip to the Basilica di San Vitale in Ravenna, Italy, where he saw the church’s famed Byzantine mosaics.

Photograph: Courtesy CC/Flickr/Jessica Epstein

5. Sandro Botticelli, The Birth of Venus, 1484–1486

Botticelli’s The Birth of Venus was the first full-length, non-religious nude since antiquity, and was made for Lorenzo de Medici. It’s claimed that the figure of the Goddess of Love is modeled after one Simonetta Cattaneo Vespucci, whose favors were allegedly shared by Lorenzo and his younger brother, Giuliano. Venus is seen being blown ashore on a giant clamshell by the wind gods Zephyrus and Aura as the personification of spring awaits on land with a cloak. Unsurprisingly, Venus attracted the ire of Savonarola, the Dominican monk who led a fundamentalist crackdown on the secular tastes of the Florentines. His campaign included the infamous “Bonfire of the Vanities” of 1497, in which “profane” objects—cosmetics, artworks, books—were burned on a pyre. The Birth of Venus was itself scheduled for incineration, but somehow escaped destruction. Botticelli, though, was so freaked out by the incident that he gave up painting for a while.

Foto: milik CC/Flickr/Arselectronica

6. & nbsp; James Abbott McNeill Whistler, Pengaturan dalam Grey and Black No. 1, 1871 James Abbott McNeill Whistler, Arrangement in Grey and Black No. 1, 1871

Ibu Whistler, atau pengaturan dalam warna abu -abu dan hitam, seperti yang sebenarnya berjudul, berbicara dengan ambisi artis untuk mengejar seni demi seni. James Abbott McNeill Whistler melukis karya di studionya di London pada tahun 1871, dan di dalamnya, formalitas potret menjadi esai dalam bentuk. Ibu Whistler, Anna, digambarkan sebagai salah satu dari beberapa elemen yang terkunci dalam pengaturan sudut kanan. Ekspresinya yang parah cocok dengan kekakuan komposisi, dan agak ironis untuk dicatat bahwa terlepas dari niat formalis Whistler, lukisan itu menjadi simbol keibuan.

Foto: Rex/Shutterstock/Universal History Archive

Ibu Whistler, atau pengaturan dalam warna abu -abu dan hitam, seperti yang sebenarnya berjudul, berbicara dengan ambisi artis untuk mengejar seni demi seni. James Abbott McNeill Whistler melukis karya di studionya di London pada tahun 1871, dan di dalamnya, formalitas potret menjadi esai dalam bentuk. Ibu Whistler, Anna, digambarkan sebagai salah satu dari beberapa elemen yang terkunci dalam pengaturan sudut kanan. Ekspresinya yang parah cocok dengan kekakuan komposisi, dan agak ironis untuk dicatat bahwa terlepas dari niat formalis Whistler, lukisan itu menjadi simbol keibuan. Jan van Eyck, The Arnolfini Portrait, 1434

Foto: milik CC/Flickr/Centralasia

6. & nbsp; James Abbott McNeill Whistler, Pengaturan dalam Grey and Black No. 1, 1871

Ibu Whistler, atau pengaturan dalam warna abu -abu dan hitam, seperti yang sebenarnya berjudul, berbicara dengan ambisi artis untuk mengejar seni demi seni. James Abbott McNeill Whistler melukis karya di studionya di London pada tahun 1871, dan di dalamnya, formalitas potret menjadi esai dalam bentuk. Ibu Whistler, Anna, digambarkan sebagai salah satu dari beberapa elemen yang terkunci dalam pengaturan sudut kanan. Ekspresinya yang parah cocok dengan kekakuan komposisi, dan agak ironis untuk dicatat bahwa terlepas dari niat formalis Whistler, lukisan itu menjadi simbol keibuan. Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, 1503–1515

Foto: milik CC/Flickr/Centralasia

6. & nbsp; James Abbott McNeill Whistler, Pengaturan dalam Grey and Black No. 1, 1871

Foto: milik CC/Flickr/Centralasia Georges Seurat, A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte, 1884–1886

7. & nbsp; Jan Van Eyck, Potret Arnolfini, 1434

Salah satu karya paling signifikan yang diproduksi selama Renaissance Utara, komposisi ini diyakini sebagai salah satu lukisan pertama yang dieksekusi dalam minyak. Potret ganda panjang penuh, konon menggambarkan seorang pedagang Italia dan seorang wanita yang mungkin atau mungkin bukan pengantin wanita. Pada tahun 1934, sejarawan seni terkenal Erwin Panofsky mengusulkan bahwa lukisan itu sebenarnya adalah kontrak pernikahan. Apa yang dapat dikatakan dengan andal adalah bahwa karya tersebut adalah salah satu penggambaran pertama dari interior menggunakan perspektif ortogonal untuk menciptakan rasa ruang yang tampaknya berdekatan dengan pemirsa sendiri; Rasanya seperti lukisan yang bisa Anda tuju.

Triptych yang fantastik ini umumnya dianggap sebagai cikal bakal yang jauh dari surealisme. Sebenarnya, itu adalah ekspresi dari seorang seniman abad pertengahan yang percaya bahwa Allah dan Iblis, Surga dan Neraka itu nyata. Dari tiga adegan yang digambarkan, panel kiri menunjukkan Kristus menghadirkan Hawa kepada Adam, sementara yang kanan menampilkan pencabutan neraka; Yang kurang jelas adalah apakah panel tengah menggambarkan surga. Dalam visi neraka Bosch yang sempurna, serangkaian telinga yang sangat besar yang menggunakan pisau lalat menyerang yang terkutuk, sementara seekor bug raja yang berpakaian burung dengan pot ruang untuk mahkota duduk di atas takhta, melahap yang ditakdirkan sebelum segera membatalkannya lagi. Kerusuhan simbolisme ini sebagian besar tahan terhadap interpretasi, yang dapat menjelaskan daya tariknya yang meluas. Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Courtesy The Art Institute of Chicago/Helen Birch Bartlett Memorial Collection

8. & nbsp; Hieronymus Bosch, The Garden of Earthly Delights, 1503–1515

Courtesy The Art Institute of Chicago/Helen Birch Bartlett Memorial Collection Pieter Bruegel the Elder, The Harvesters, 1565

9. & nbsp; Georges Seurat, Minggu sore di pulau La Grande Jatte, 1884–1886

12. & nbsp; Édouard Manet, Le Déjeuner Sur L'Herbe, 1863 Édouard Manet, Le Déjeuner sur l’herbe, 1863

Adegan Manet Piknik Paris menyebabkan skandal ketika debutnya di Salon des Refusés, pameran alternatif yang terdiri dari karya-karya yang ditolak oleh para juri salon tahunan-pameran seni resmi Académie des Beaux-Arts yang menetapkan standar artistik di Prancis . Keberatan yang paling gencar terhadap karya Manet yang berpusat pada penggambaran seorang wanita telanjang di perusahaan pria yang mengenakan pakaian kontemporer. Berdasarkan motif yang dipinjam dari Renaissance hebat seperti Raphael dan Giorgione, Le Déjeuner adalah seorang yang kurang ajar yang dikirim dari figurasi klasik-mash-up yang kurang ajar dari kehidupan modern dan tradisi melukis.

13. & nbsp; piet mondrian, komposisi dengan biru merah dan kuning, 1930 Piet Mondrian, Composition with Red Blue and Yellow, 1930

Sebuah lukisan kecil (18 inci kali 18 inci) yang mengemas pukulan seni-historis besar, karya Mondrian mewakili distilasi radikal bentuk, warna dan komposisi terhadap komponen dasar mereka. Membatasi paletnya pada triad primer (merah, kuning dan biru), ditambah pigmen diterapkan hitam dan putih, Mondrian di tambalan datar yang tidak dicampur dalam susunan kotak dan persegi panjang yang mengantisipasi minimalisme.

14. & nbsp; Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, Las Meninas, atau keluarga Raja Philip IV Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, Las Meninas, or The Family of King Philip IV

Sebuah lukisan lukisan di dalam sebuah lukisan, mahakarya Velázquez terdiri dari berbagai tema yang digulung menjadi satu: potret keluarga kerajaan Spanyol dan rombongan di studio Velázquez; potret diri; tampilan karya Bravura Brush yang hampir seni-untuk-seni; dan adegan interior, menawarkan sekilas kehidupan kerja Velázquez. Las Meninas juga merupakan risalah tentang sifat melihat, serta pemirsa yang membingungkan tentang apa yang sebenarnya mereka lihat. Ini adalah seni visual yang setara dengan memecahkan dinding keempat - atau dalam hal ini, dinding jauh studio di mana ada cermin yang mencerminkan wajah raja dan ratu Spanyol. Segera ini menunjukkan bahwa pasangan kerajaan berada di pihak kita dari pesawat gambar, mengajukan pertanyaan di mana kita berada dalam hubungan dengan mereka. Sementara itu, rendering panjang Velázquez pada dirinya sendiri di kuda -kuda menimbulkan pertanyaan apakah dia mencari di cermin untuk melukis gambar. Dengan kata lain, apakah subjek Las Meninas (yang semuanya memperbaiki pandangan mereka di luar bingkai), menatap kami, atau melihat diri mereka sendiri?

15. & nbsp; Pablo Picasso, Guernica, 1937 Pablo Picasso, Guernica, 1937

Mungkin lukisan Picasso yang paling terkenal, Guernica adalah Cris de Coeur anti-perang yang disebabkan oleh pemboman 1937 di kota Basque eponymous selama Perang Sipil Spanyol oleh pesawat Jerman dan Italia yang bersekutu dengan pemimpin fasis Francisco Franco. Pemerintah kiri yang menentangnya menugaskan Picasso untuk menciptakan lukisan untuk pavillion Spanyol di 1937 World's Fair di Paris. Ketika ditutup, Guernica melakukan tur internasional, sebelum berakhir di Museum Seni Modern di New York. Picasso meminjamkan lukisan itu ke MoMA dengan ketentuan bahwa itu dikembalikan ke asalnya Spanyol begitu demokrasi dipulihkan - yang pada tahun 1981, enam tahun setelah kematian Franco pada tahun 1975 (Picasso sendiri meninggal dua tahun sebelum itu.) Hari ini, lukisan itu adalah Bertempat di Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid.

14. & nbsp; Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, Las Meninas, atau keluarga Raja Philip IV Francisco de Goya y Lucientes, The Naked Maja, circa 1797–1800

Sebuah lukisan lukisan di dalam sebuah lukisan, mahakarya Velázquez terdiri dari berbagai tema yang digulung menjadi satu: potret keluarga kerajaan Spanyol dan rombongan di studio Velázquez; potret diri; tampilan karya Bravura Brush yang hampir seni-untuk-seni; dan adegan interior, menawarkan sekilas kehidupan kerja Velázquez. Las Meninas juga merupakan risalah tentang sifat melihat, serta pemirsa yang membingungkan tentang apa yang sebenarnya mereka lihat. Ini adalah seni visual yang setara dengan memecahkan dinding keempat - atau dalam hal ini, dinding jauh studio di mana ada cermin yang mencerminkan wajah raja dan ratu Spanyol. Segera ini menunjukkan bahwa pasangan kerajaan berada di pihak kita dari pesawat gambar, mengajukan pertanyaan di mana kita berada dalam hubungan dengan mereka. Sementara itu, rendering panjang Velázquez pada dirinya sendiri di kuda -kuda menimbulkan pertanyaan apakah dia mencari di cermin untuk melukis gambar. Dengan kata lain, apakah subjek Las Meninas (yang semuanya memperbaiki pandangan mereka di luar bingkai), menatap kami, atau melihat diri mereka sendiri?

15. & nbsp; Pablo Picasso, Guernica, 1937 Jean Auguste Dominique Ingres, Grande Odalisque, 1814

Mungkin lukisan Picasso yang paling terkenal, Guernica adalah Cris de Coeur anti-perang yang disebabkan oleh pemboman 1937 di kota Basque eponymous selama Perang Sipil Spanyol oleh pesawat Jerman dan Italia yang bersekutu dengan pemimpin fasis Francisco Franco. Pemerintah kiri yang menentangnya menugaskan Picasso untuk menciptakan lukisan untuk pavillion Spanyol di 1937 World's Fair di Paris. Ketika ditutup, Guernica melakukan tur internasional, sebelum berakhir di Museum Seni Modern di New York. Picasso meminjamkan lukisan itu ke MoMA dengan ketentuan bahwa itu dikembalikan ke asalnya Spanyol begitu demokrasi dipulihkan - yang pada tahun 1981, enam tahun setelah kematian Franco pada tahun 1975 (Picasso sendiri meninggal dua tahun sebelum itu.) Hari ini, lukisan itu adalah Bertempat di Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía di Madrid.

18. Eugène Delacroix, Liberty Leading the People, 1830

Commemorating the July Revolution of 1830, which toppled King Charles X of France, Liberty Leading the People has become synonymous with the revolutionary spirit all over the world. Combining allegory with contemporary elements, the painting is a thrilling example of the Romantic style, going for the gut with its titular character brandishing the French Tricolor as members of different classes unite behind her to storm a barricade strewn with the bodies of fallen comrades. The image has inspired other works of art and literature, including the Statue of Liberty and Victor Hugo’s novel Les Misérables.

19. Claude Monet, Impression, Sunrise, 1874

The defining figure of Impressionism, Monet virtually gave the movement its name with his painting of daybreak over the port of Le Havre, the artist’s hometown. Monet was known for his studies of light and color, and this canvas offers a splendid example with its flurry of brush strokes depicting the sun as an orange orb breaking through a hazy blue melding of water and sky.

20. Caspar David Friedrich, Wanderer above the Sea of Fog, 1819

The worship of nature, or more precisely, the feeling of awe it inspired, was a signature of the Romantic style in art, and there is no better example on that score than this image of a hiker in the mountains, pausing on a rocky outcrop to take in his surroundings. His back is turned towards the viewer as if he were too enthralled with the landscape to turn around, but his pose offers a kind of over-the-shoulder view that draws us into vista as if we were seeing it through his eyes.

21. Théodore Géricault, The Raft of the Medusa, 1818–1819

For sheer impact, it’s hard to top The Raft of the Medusa, in which Géricault took a contemporary news event and transformed it into a timeless icon. The backstory begins with the 1818 sinking of the French naval vessel off the coast of Africa, which left 147 sailors adrift on a hastily constructed raft. Of that number, only 15 remained after a 13-day ordeal at sea that included incidents of cannibalism among the desperate men. The larger-than-life-size painting, distinguished by a dramatic pyramidal composition, captures the moment the raft’s emaciated crew spots a rescue ship. Géricault undertook the massive canvas on his own, without anyone paying for it, and approached it much like an investigative reporter, interviewing survivors and making numerous detailed studies based on their testimony.

22. Edward Hopper, Nighthawks, 1942

An iconic depiction of urban isolation, Nighthawks depicts a quarter of characters at night inside a greasy spoon with an expansive wraparound window that almost takes up the entire facade of the diner. Its brightly lit interior—the only source of illumination for the scene—floods the sidewalk and the surrounding buildings, which are otherwise dark. The restaurant's glass exterior creates a display-case effect that heightens the sense that the subjects (three customers and a counterman) are alone together. It's a study of alienation as the figures studiously ignore each other while losing themselves in a state of reverie or exhaustion. The diner was based on a long-demolished one in Hopper's Greenwich Village neighborhood, and some art historians have suggested that the painting as a whole may have been inspired by Vincent van Gogh’s Café Terrace at Night, which was on exhibit at a gallery Hopper frequented at same time he painted Nighthawks Also of note: The redheaded woman on the far right is the artist's wife Jo, who frequently modeled for him.

23. Marcel Duchamp, Nude Descending a Staircase, No. 2, 1912

At the beginning of the 20th-century, Americans knew little about modern art, but all that abruptly changed when a survey of Europe's leading modernists was mounted at New York City's 69th Regiment Armory on Lexington Avenue between 25th and 26th Streets. The show was officially titled the "International Exhibition of Modern Art," but has simply been known as the Armory Show ever since. It was a succès de scandale of epic proportions, sparking an outcry from critics that landed on the front page of newspapers. At the center of the brouhaha was this painting by Marcel Duchamp. A stylistic mixture of Cubism and Futurism, Duchamp’s depiction of the titular subject in multiple exposure evokes a movement through time as well as space, and was inspired by the photographic motion studies of Eadweard Muybridge and Étienne-Jules Marey. The figure's planar construction drew the most ire, making the painting a lighting rod for ridicule. The New York Times's art critic dubbed it "an explosion in a shingle factory," and The New York Evening Sun published a satirical cartoon version of Nude with the caption, "The Rude Descending a Staircase (Rush Hour at the Subway),” in which commuters push and shove each other on their way onto the train. Nude was one of a handful of paintings Duchamp made before turning full time towards the conceptualist experiments (such as the Readymades and The Large Glass) for which he’s known.